Artemisia Gentileschi: la Passione e la Rabbia

Il talento nella bottega paterna

Il padre di Artemisia, Orazio Gentileschi, era un ottimo rappresentante della pittura caravaggesca, e si dice tale padre tale figlia. Ma lei fece di più: sviluppò uno stile proprio, fervente, teatrale, quasi disperato, e vi riuscì perché fu la sua stessa vita a essere così, prima ancora della sua arte. Nata a Roma nel 1593 e cresciuta tra pennelli e tele nella bottega del padre, non poteva esserci luogo più adatto per rivelare il suo talento, che si mostrò da subito, inesorabile.

Non era un talento che ci si sarebbe aspettati, allora, da una donna. Da una giovane ci si sarebbe attesi tocchi di colore armoniosi, non una vitalità quasi carnale. E sarà proprio la carnalità, in un senso tragico, a segnare la sua esistenza.

La violenza e il processo

Agostino Tassi, pittore di paesaggi e marine, collaborava con Orazio a un progetto ambizioso. Libertino, quando iniziò a istruire la giovane Artemisia ai segreti della pittura, mirava anche ad altro. La violenza sessuale avvenne quando la ragazza aveva appena diciotto anni; dal processo dell’epoca, condotto in termini inquisitori e crudeli, ci sono rimasti particolari precisi. Stuprata e spaventata, tranquillizzata solo dalla promessa del Tassi di “riparare” con il matrimonio, visse con lui per mesi una sorta di relazione, complicata dal fatto che Agostino era già sposato.

Quando Orazio Gentileschi venne a sapere tutto, per difendere l’onore della famiglia trascinò in tribunale il collega, esponendo però anche la dignità della figlia. Vista la mentalità del tempo, Artemisia fu visitata, sondata, umiliata e persino torturata per saggiare la sincerità delle sue dichiarazioni, come fosse un indegno esemplare da studiare, con l’aula gremita a giudicare se fosse davvero vergine. La sua ferma volontà, alla fine, fu premiata: il Tassi finì in carcere. Ma lei dovette trovare il modo di uscire “onorevolmente” dalla vicenda, sposando un certo Stiattesi e partendo con lui alla volta di Firenze, per ricostruirsi in ogni senso.

Una vita di spostamenti e successi

In Toscana ebbe un certo successo: Cristina de’ Medici la apprezzava molto, i suoi lavori erano noti e richiesti, ma i debiti aumentavano senza sosta. Gli spostamenti divennero una costante: tornò a Roma, dove mantenne una certa fama pur non ricevendo le commissioni “grandiose” di cui la sua carriera avrebbe avuto bisogno, poi si spostò a Venezia e infine a Napoli.

Napoli divenne la sua casa. Vi si trovava bene ed era valutata al giusto merito; se ne allontanò solo per un periodo, per raggiungere il padre a Londra e ritrovarsi vicina a lui, nella vita e nel lavoro, fino alla sua morte. Il rientro a Napoli fu naturale e felice, e qui restò, senza mai smettere di dipingere, fino alla propria morte, nel 1652 o 1653 a seconda delle fonti.

L’arte come risposta al trauma

Dal momento della violenza in poi, i quadri di Artemisia acquisirono una forza che è vera e propria violenza. La sua risposta a quanto era accaduto è palese nello sconvolgente Giuditta che decapita Oloferne, dove si manifesta una rabbia implacabile, una volontà di vendetta che si realizza nel volto feroce e deciso di Giuditta. Su quest’opera le interpretazioni psicologiche si sono moltiplicate, non a torto: in una luce caravaggesca, la protagonista afferra la spada con foga e con foga la passa sul collo di Oloferne.

Una protagonista dalle curve morbide e abbondanti, perché spesso, in modo più nascosto di quanto facesse secoli dopo Frida Kahlo, è sé stessa che Artemisia rappresenta: il suo volto, la sua sagoma, le sue braccia corpose. Un continuo mettersi in scena, come per esorcizzare la tempesta che ha dentro, il passato, un’intensità di sentimenti che non trova spazio nel quotidiano. Un continuo mettersi in scena per guarirsi, per ricreare di sé un’immagine intera, integra, non violata nell’identità di persona e di donna. I nomi biblici, sotto il suo pennello, diventano quasi feroci, poco spirituali: un’angoscia neanche tanto sottile rende riconoscibilissimo il suo tratto.

“Io sono la Pittura”

Persino nel suo autoritratto Artemisia si mostra di profilo, con la testa inclinata, tutta intenta a carpire il soggetto. Non mostra il viso, ma solo sé stessa nella posizione adatta a vedere, forse a vedersi, con la mano pronta a imprimere sulla tela. Un’idea innovativa: non ripropone sé stessa, ma sé stessa mentre è intenta a scorgere, o a scorgersi. Il titolo è emblematico: Autoritratto come allegoria della pittura. È lei la Pittura. E così si compie il tentativo di ricostruire un’integrità, un’identità per sopravvivere.

In quel dipinto si mostra tutta la sua volontà: io sono la Pittura, nessuno può negarlo, questo io sono e non me lo si può togliere, nessuna onta può farlo. È un altro esempio di come le doti artistiche possano diventare un processo di guarigione, nell’espressione e liberazione di ciò che è stato interiorizzato con dolore. Da qui emerge un talento immenso, riconosciutissimo all’estero e a lungo meno valorizzato in patria: Artemisia, la passione e la rabbia.

Domande frequenti

Chi era Artemisia Gentileschi?

Una grande pittrice italiana del Seicento (1593-1652 circa), figlia del pittore Orazio Gentileschi e formatasi nella sua bottega. Sviluppò uno stile personale, intenso e teatrale, di matrice caravaggesca, diventando una delle artiste più importanti della sua epoca.

Cosa rappresenta “Giuditta che decapita Oloferne”?

È l’opera più celebre di Artemisia, in cui molti leggono la sua risposta alla violenza subita: una rabbia implacabile e una volontà di vendetta espresse nel volto deciso di Giuditta. Le interpretazioni psicologiche la collegano al trauma dello stupro e del processo.

In che modo l’arte fu per lei una forma di guarigione?

Artemisia si raffigurava spesso nelle sue protagoniste, mettendosi in scena per esorcizzare il dolore e ricostruire un’immagine di sé integra e non violata. La pittura divenne un bisogno prima che un’estasi: uno strumento per sopravvivere e ricomporre la propria identità.

Cosa significa l'”Autoritratto come allegoria della pittura”?

In quest’opera Artemisia si identifica con la Pittura stessa: “io sono la Pittura, e questo nessuno me lo può togliere”. È l’affermazione di un’identità che nessuna onta può cancellare, il compimento del suo tentativo di ricostruire integrità dopo il trauma.